Débuter et se distinguer en photographie d'architecture

Afin de bien commencer votre expédition photographique, il est important de s’équiper correctement et de bien identifier ses besoins. Voici un petit guide pratique avec mes indispensables et mes conseils pour partir à la conquête de vos images.

Premièrement, selon moi, il n'y a pas de caractéristiques techniques précises ou de performances particulières requises pour réaliser de bonnes photographies d’architecture. Bien sûr, il est plus confortable de travailler avec un boîtier rapide et compact disposant d'une bonne résolution, ce qui permet de recadrer et de zoomer aisément lors du post-traitement. Toutefois, tous les boîtiers non entièrement automatiques avec au moins 12 mégapixels peuvent très bien convenir. L’enjeu principal réside dans le choix de l’objectif. Mon indispensable pour la photographie d'architecture, qu’il s’agisse d'intérieur, d'extérieur ou d’immobilier, est le FE PZ 16-35mm f/4 G. Cet objectif offre un grand angle avec peu de distorsion et permet, grâce à la focale de 35mm, de capturer des détails ou des perspectives intéressantes.

Pauline Hautefort

Sony a1 + FE PZ 16-35mm f/4 G à 16,5mm
1/6 | f/22 | ISO 50

Bien que j’apprécie la spontanéité des prises de vue à main levée, avoir un trépied est toujours très utile. Que ce soit pour des expositions longues ou des prises de vue nocturnes. Mon dernier accessoire indispensable, ce sont les filtres ! Le filtre ND nous aide à limiter la quantité de lumière qui traverse l’objectif, ce qui est parfait pour les longues expositions. Quant au filtre polarisant, il élimine les reflets gênants et fait ressortir les couleurs du ciel ou de l'eau. Avec ces deux filtres en main, vos photos peuvent gagner en clarté et en contraste, tout en conférant une nouvelle dimension à vos images.

Il est crucial pour moi de me sentir à l’aise dans l’environnement dans lequel je vais photographier. Je recommande de faire autant de recherches que possible à l'avance (quand l’occasion s’y prête) pour comprendre l’histoire de l’œuvre et la vision de l’architecte lors de sa conception. Cela permet de mieux saisir l’intention derrière la structure et de s’en inspirer pour la capturer au mieux.

Une fois l’emplacement connu, ma prochaine étape est de vérifier la météo des jours à venir. Un grand soleil n'est pas toujours nécessaire et peut même être un obstacle. Je préfère choisir mes conditions pour mieux planifier comment je vais procéder, quel matériel utiliser et, finalement, évaluer toutes mes options avant de me déplacer. Choisir le bon moment de la journée est aussi crucial, car la lumière évolue constamment, offrant des ambiances variées comme la douceur de l’heure dorée, généralement entre 18 h et 20 h, ou la fraîcheur de l’heure bleue, juste avant le lever du soleil ou après le coucher du soleil, qui peuvent transformer complètement l’atmosphère d’une scène.

Finalement, une fois que j'arrive sur place ou que je trouve un lieu qui attise ma créativité, j’aime en faire le grand tour (dans la mesure du possible) avant même de déclencher ma première photo ! Cela me permet d’observer comment la lumière naturelle ou les systèmes lumineux conçus par l’architecte interagissent avec l’espace. S'appuyer sur ces éléments propres à l’œuvre architecturale permet de capturer l’essence authentique des lieux tout en transmettant l’ambiance et l’énergie qui s’en dégagent.

Pauline Hautefort

Sony a1 + FE PZ 16-35mm f/4 G à 35mm
1/25 | f/8 | ISO 400

Surtout lorsqu’il s’agit de photographie d’architecture, il est essentiel de créer une image harmonieuse et de composer de façon à guider naturellement l’œil vers l’élément principal de la photo. Une composition trop complexe ou trop chargée peut perturber le spectateur et détourner l’attention du sujet central. Il est donc préférable de privilégier des lignes parallèles et perpendiculaires pour une meilleure lisibilité visuelle. Le redressement de la perspective devient alors un atout majeur.

Un autre principe fondamental en photographie d’architecture est la règle des tiers. Cette règle consiste à diviser l’image en neuf parties égales grâce à deux lignes horizontales et deux lignes verticales, et à placer les éléments clés de la composition sur ces lignes ou à leurs intersections. En appliquant cette règle, vous obtenez une composition plus équilibrée et dynamique, ce qui permet de guider le regard du spectateur vers les points d'intérêt principaux sans que l’image paraisse trop symétrique. Cela peut notamment être très utile pour positionner des éléments comme des portes, des fenêtres ou des détails architecturaux importants.

Un dernier conseil : pensez toujours à cadrer plus large que votre sujet si vous prévoyez un redressement de perspective. Cela vous permettra d'éviter de couper trop de détails et de préserver l’essence du sujet principal lors de l’ajustement.

Maintenant que les bases sont posées, il est temps de venir stimuler notre créativité !

Et si on photographiait à l'ancienne ? L’argentique, qui avait vite disparu à l’arrivée du format numérique sur le marché, reprend beaucoup d'ampleur et d’importance depuis les cinq dernières années dans le monde de la photo. Autant pour les anciens photographes qui ressortent leurs vieux appareils du placard que pour les jeunes qui optent pour un Pentax K1000 usagé comme premier boîtier, les appareils argentiques font leur grand retour dans les tendances. Il redevient alors possible de toucher un grand public et d'émerveiller les yeux des spectateurs en ayant l’audace de choisir un boîtier argentique plutôt que numérique lors d’une sortie photo. Le côté unique des tirages ainsi que la beauté du grain donnent un caractère vintage, mais intemporel qui, je trouve, est en parfaite harmonie avec le monde de l’architecture. C’est aussi un moyen de prendre plus son temps et de retrouver une certaine authenticité et lenteur que nous avons perdue depuis l’arrivée du numérique.

Il est rare de vouloir faire une sortie photo ou de planifier un shooting lorsque la météo s’annonce pluvieuse, nuageuse ou encore... neigeuse ! Et pourtant, c’est peut-être votre occasion d’être le premier à vous aventurer dans ces conditions et à oser un cliché qui n’est certes pas « parfait », mais véritable. Choisir d’exposer une œuvre architecturale dans ses heures les plus sombres et grisonnantes peut s’avérer plus percutant et surprenant. Cela permet de transmettre une émotion et de donner du caractère au lieu. On ne montre plus, on raconte. Il est temps de sortir du cliché de guide touristique pour créer une œuvre qui nous est propre.

Pauline Hautefort

Pentax K1000 + Minolta 50mm 1.2
Film : Lomography Metropolis 100-400

C’est le temps de jouer avec sa créativité. Quoi de mieux que de faire découvrir un coin de pièce atypique ou des escaliers vus sous un angle encore méconnu du grand public. Faites de votre photo un produit qui suscite le questionnement et les suppositions, prenez un endroit en photo et le rendez-la méconnaissable en jouant sur la perspective et la composition. Explorez les volumes et cadrez de façon innovante, voire abstraite. Cela peut vous aider à créer votre style et rendre votre portfolio mémorable.

Pauline Hautefort

Sony a1 + FE PZ 16-35mm f/4 G à 16,5mm
1/100 | f/8 | ISO 1600

Maintenant, vous connaissez toutes mes astuces pour vous lancer dans la photographie d'architecture ! Collaborez avec les éléments, les œuvres architecturales, la lumière et votre matériel pour créer des photos qui ne seront plus de simples clichés, mais deviendront de véritables œuvres d'art !